Fetichismo, subrealismo y fotografía

En esta entrada vamos a entretenernos un poco con el subrealismo y los dedos gordos de los pies, gracias al señor Jacques-André Boiffard.

Pero, ¿quién era Boiffard y cual es su relación con los dedos gordos de los pies y la fotografía?.  Sigan leyendo y la cosa quedará clara :)

Jacques-André Boiffard nace un 29 de julio de 1902  en Épernon, Francia. De padre notario, decide no seguir la profesión paterna y comienza estudios en Medicina, pero en 1924 conoce a André Bretón de mano de su amigo Pierre Naville y abandona los estudios médicos para unirse al movimiento subrealista cuando se funda  la Centrale Surréaliste (Oficina de investigación subrealista). En Diciembre de ese mismo año redacta con Paul Éluard y Roger Vitrac el prefacio del primer número de la revista La Révolution surréaliste. Poco tiempo después decide dedicarse a la fotografía y se hace ayudante de Man Ray, colaborando con la revista aportando fotografías.

En 1928 ilustra con fotografías la novela de André Bretón, Nadja y poco tiempo más tarde publica unas fotografías de la primera mujer de Bretón, Simone Rachel Kahn, lo que le cuesta la enemistad con éste y su expulsión del movimiento subrealista. A partir de ese momento se aproxima a Georges Bataille y colabora en su revista "Documents" y su enemistad con André Bretón llega a cotas insospechadas, escribiendo en 1930 un panfleto en su contra titulado "Un cadáver" y uniéndose a la Association des Escrivains et Artistes Revolutionnaires.

A los subrealistas siempre les interesó captar los fenómenos que escapan a la simple vista, revelar con ello una belleza desconocida y de esa manera mostrar las dos realidades opuestas de un mismo objeto, le realidad objetiva y la realidad metafórica. La cámara fotográfica se mostró ideal para mostrar esa transformación y metamorfosis de lo real, un artilúgio revelador de las maravillas ocultas en los objetos mas vulgares. De hecho, André Breton se basó en la fotografía para establecer su concepto de "belleza convulsiva". En cuadres mostrando objetos aislados, desconectados de cualquier referecia temporoespacial, desgarrados y separados de la realidad objetiva, de su propia existencia natural e incluso de su continuidad, así aparece la belleza convulsiva. Pero para Bretón y Bataille la fotografía no significan lo mismo. Para Bretón el uso de la fotografía en el subrealisto está relacionado con los efectos de instantaneidad capaces de trasmitir la esperiencia del automatismo psíquico, sin embargo, para Bataille, las ilustraciones fotográficas traducen una "historia del ojo": la pulsión escópica por el plano del detalle se pone al servicio de una revelación del "bajo materialismo", es decir, lo que en la vida afecta a la muerte de muy cerca.

Durante su época de artista Boiffard publica entre otras fotografías las de tres dedos gordos, completamente desconectados del resto del cuerpo, ampliadas y antiestéticas por completo, que fueron un verdadero ejemplo de como entendían el subrealismo. Esas fotografias ilustran la capacidad de la cámara fotográfica para convertirse en un operador de lo informe y se publicaron en el nº 6 de "Documentos" de Bataille en 1929 acompañados de un texto del mismo Bataille titulado "Le Gros orteil" en el que se hablaba del pie como fetiche sexual . 

Para el que no sepa de que va esto del fetichismo, transcribiré a continuación lo que decía sobre el mismo el Tratado de Psiquiatría (Henry EY, P. Bernard-CH.BRI)- que tuve yo cmo libro de texto de la especialidad en mis dias de estudiante de medicina, que hablaba del fetichismo entre las perversiones sexuales.

"Esta perversión sólo se conoce en el hombre. Se trata de la vinculación erótica a un objeto, que puede ser una cosa inanimada o una parte del cuerpo de otro: vestido, guante, ropa interior, etc. Determinados tejidos o materiales de caucho pueden buscarse para ser tocados, como también los cabellos, las tetinas o las muñecas; o bien los pies y lo que los recubre (zapatos, botas, etc). Cualquiera que sea el objeto es necesario para la excitación sexual, y es manipulado ya sea durante la masturbación ya sea durante la relación sexual."

El fetiche es pues un objeto simbólico del que los psicoanalistas han hablado largo y tendido, pero eso no es materia de esta entrada del blog  ;-)

Amenudo calificada de antidealista, y en ese sentido opuesta al espíritu del subrealismo de André Bretón, la revista Documents propone fotografías cuya finalidad no es sorprender. Lo que se intenta espresar es, en palabras del propio Bataille, "afirmar que el universo no se parece a nada y es sólo amorfo, es cmo decir que el universo es como una araña  un escupitajo". Las fotografías en cuestión, muestran tres dedos gordos de pies, dos de varon y uno de mujer, desconectados por completo del resto del pie y con un fondo completamente negro, como flotando en la oscuridad, ocupando tres páginas completas de la revista. Bataille tenía fijación con el origen y naturaleza de la seduccción y pensaba que esta podía tener su origen tanto en la belleza ideal y la luz como en las bajas experiencias, lo feo y lo desagradable.

Es en este último contexto en el que se utilizan las fotografias de los pulgares de Boiffard, mostrandolas como objeto fetiche y siendo sin embargo completamente desagradables, grotescas e incluso groseras a la vista. Eso es lo que se buscaba con la fotografía y desde luego es la sensación que produce también en mi. Nunca me gustaron esas fotografías ni las entendía hasta que supe lo que se intentaba con ellas. Hoy en día ya las entiendo y comprendo su valor en la historia del arte y el movimiento subrealista, pero dsde luego, siguen sin gustarme; pero ¡para eso se hieron!

En 1930 Boiffard comparte un estudio fotográfico con Éli Lotar que se cierra en 1931.
Posteriormente, con la muerte de su padre en 1935 decide abandonar la práctica artística, y la fotografía, retomando sus estudios de Medicina, dedicándose a la radiología. Trabajó como radiólogo en el Hospital Saint -Louis en París de 1940-1959 y muere en 1961.

¡De nuevo otro médico muy relacionado con el arte y la fotografía!

Prerafaelistas y fotografia pictorialista: Ofelia o Lady of Shalott.

En la entrada anterior cuando hablaba un poco de la fotografia y la psiquiatría y de Hugh Welch, puse un retrato suyo que había sido realizado por otro fotógrafo inglés mas joven y que se consideraba alumno de Welch  y aseguraba que se había dedicado a la fotografía por sus consejos. Hablo de Henry Peach Robinson.



Henry Peach Robinson (Ludlow, Shropshire, 9 de julio de 1830 - Royal Tunbridge Wells, Kent, 21 de febrero de 1901) fue un renombrado pintor y fotógrafo inglés pictorialista. Henry era el más joven de los seis hijos de Lucus Robinson, un maestro de escuela de Ludlow, y su esposa Ness. Fue educado en la academia de Horatio Russell en su Ludlow natal, hasta que cumplió los trece años, momento en el que comienza a tomar clases de dibujo con Richard Penwarne. Las clases le duran un año pues decide hacerse aprendiz de librero e impresor con Richard Jones. De esta forma su carrera inicial fue la venta de libros, aunque mientras tanto no dejó de estudiar arte.

Henry comenzó su carrera artística como pintor de la escuela prerrafealista y en 1852 expuso una pintura al óleo en la Royal Academy. Sin embargo ese mismo año decidirá iniciarse en la fotografía. Cinco años más tarde, en 1857, tras una reunión con Hugh Welch Diamond, es cuando decide dedicarse de lleno a la fotografía. Tiene en ese momento veinte años y se traslada a Leamnington para abrir un estudio fotográfico. Henry Peach aplica a sus imágenes las ideas de la fotografía academicista con claras influencias de la pintura prerafaelista e influido por Oscar Gustav Rejlander copia de él su técnica del fotomontaje. Como era buen pintor realizaba sus tomas pintando un boceto previo de la composición final. Si se trataba de una copia combinada,hacía posar por separado a sus modelos en su estudio, para colocarlos artificialmente en un entorno natural, también recreado en estudio, en la copia final.

En opinión de Robinson, para que la fotografía fuese una obra de arte, era necesario que el artista corrigiese de la fotografía todo aquello que no fuera pictórico, para acercarla a la norma de lo bello. Así Robinson afirmaba que “cualquier artimaña, truco y conjura, de la clase que sea, está permitido al fotógrafo para que pertenezca a su arte y no sea falso respecto a la naturaleza”

Son también frases muy conocidas de Henry Peach

"Unos ojos humanos sanos nunca han visto ninguna parte de una escena fuera de foco".

"Así como la ciencia de la fotografía tiene sus fórmulas, también el arte de crear imágenes tiene, en lo material, sus propias reglas".

Cuando se habla de Henry Peach casi siempre sale a relucir su fotografía "Los Últimos Instantes", fotomontaje con 5 negativos hecha en 1858 y que dicen que fue su primera imagen en la que combina varios negativos.



aunque tiene otras hermosas fotografías para las que uso incluso mas negativos, como "When the Day's Work is  Done" de 1877, en la que usa 6 negativos.



Sin embargo, en mi opinión, que el fotomontaje precise de mas negativos no quiere decir que el resultado sea mas hermoso. Quizás simplemente haya necesitado mas habilidad, dedicación y trabajo.

Un ejemplo de lo que digo es la fotografía que me incitó a escribir esta entrada inicialmente y que no es otra que "Lady of Shalott", para la cual utilizó solamente dos negativos.



Lo que me interesa a mi de esta fotografía y me llama la atención es que representa a la Ofelia del poema de Tennyson, en una barca, como la de William Waterhouse, Lady of Sahlott



pero así mismo guarda un tremendo parecido en cuanto a su posición e incluso presentación con la Ofelia prerafaelista de Millais



Es como si Henry Peach hubiese decidido fundir ambas obras en una nueva obra artistica mediante la fotografía.


Como curiosidad sobre la Ofelia de Millais y relacionado con mi profesión, la medicina, podría contar que la modelo que posó para el cuadro, Elizabeth Siddal que sería la esposa del pintor prerrafaelista Dante Gabriel Rossetti, para que Millais pudiese pintar ese cuadro estuvo muchos días durante un crudo invierno sumergiéndose en una bañera con agua que el pintor calentaba con velas. En una de las sesiones el pintor estaba tan ensimismado que no se dio cuenta de que las velas se apagaron, el agua se enfrió y Elizabeth, por no molestar y desconcentrar al pintor no dijo nada y enfermó. Parece ser que tuvo una neumonía y el padre demando a Millais que tuvo que pagar una buena cantidad por las atenciones médicas que necesitó la modelo a consecuencia  la enfermedad. Elizabeth Siddal no murió de aquella, pero no tuvo una vida larga, al parecer unos dicen que murió de una afección intestinal y otros que era adicta al láudano y que fue eso lo que la mató. No me estrañaría a mi que fuese una mezcla de ambas cosas, ya que los derivados opiáceos pueden ser causa de oclusión intestinal. Pero en fin, dejemos el tema de Elizabeth Siddal y volvamos a nuestro fotógrafo.

Curiosamente, cuando Henry Peach decidió dar a conocer al público su versión de Lady of Shalott, lo hizo, no mostrando simplemente una fotografía, sino también una obra artística mixta fotografía-poesía, pues rodeo la fotografia de canutillos dentro de los cuales iban escritos los versos del poema de Lady of Shalott de Tennyson.

No puedo evitar poner ahora aquí dos fotografías de Tennyson hechas por Margaret Cameron, contemporánea de Peach aunque 15 años mayor que él, también fotógrafa y pictorialista y de la que hablé algo en la entrada que dedique a Beatrice Cenci



Sobre la vida profesional de Henry Peach hay que decir también que en 1864 Henry tiene que dejar el estudio fotográfico debio a la contínua exposición a productos químicos fotográficos tóxicos. A partir de entonces prefirió el uso de tijeras y pegamento para combinar sus imágenes.

Hacia 1868 abre un nuevo estudio junto con Nelson Rey Cherrill, y en 1870 se convertirá en vicepresidente de la Royal Photographic Society defendiendo firmemente la fotografía como una forma de arte. En 1875 la asociación se rompe y Robinson continuó solo con el negocio hasta su jubilación en 1888.

A raíz de las disputas internas dentro de la Royal Photographic Society, renunció a ella en 1891 para convertirse en uno de los primeros miembros del Linked Ring, en la que estuvo activo hasta 1897, momento en el que fue elegido miembro honorario de la Royal Photographic Society.

Henry Peach Robinson fue uno de los primeros miembros de la Photographic Convention of the United Kingdom (PCUK) del que llegaría a ser presidente en 1896.

Obras escritas por Henry Peach:

•Robinson, H.P. Pictorial Effect In Photography: Being Hints On Composition And Chiaroscuro For Photographers. London: Piper & Carter, 1869.
•Robinson, H.P. Picture-Making By Photography. London: Hazell, Watson, & Viney, 1889.
•Robinson, H.P. and Capt. R.E. Abney. The Art And Practice Of Silver Printing. NY: E. & H.T. Anthony & Co., 1881.
•Robinson, H.P. Art photography in short chapters London: Hazell Watson & Viney. 1890
•Robinson, H.P. Photography as a business. Bradford [Eng.] Percy Lund. 1890
•Robinson, H.P. The Studio And What To Do In It. London: Piper & Carter, 1891.
•Robinson, H.P. The elements of a pictorial photograph. Bradford : Percy Lund & Co. 1896.
•Robinson, H.P. Catalogue of pictorial photographs. Ralph W. Robinson. Redhill, Surrey. 1901



Calotipos y Pisqiatría en el 1800

Ahora me dispongo a hablar un poco sobre fotografía y psiquiatría y creo que lo primero que debería hacer es delimitar bien sobre que pretendo hablar.


Si entrecruzamos la psiquiatría y el arte de la fotografía, podemos ver que hay dos grandes perspectivas desde la cuales podemos hacer frente al asunto.


La primera es cuando atendemos única y esclusivamente a los contenidos de las propias imágenes y a la utilidad o propósito con la que estas fueron tomadas. Desde este punto de vista podemos hablar de las fotografía como técnica descriptiva y clasificatoria de las enfermedades mentales, de la fotografía como testimonio gráfico o incluso como medio de denuncia, de la fotografía como documento histórico y médico en si misma o de la fotografía como arte plástica pero enfocada y orientada a la enfermedad mental.


Una segunda perspectiva nos permitiría hablar de la fotografía mas allá de lo objetivo y de su contenido y orientarla como un medio en el proceso de diagnóstico o instrumento terapeútico en salud mental.

En este caso voy a hablar de la fotografía atendiendo a su valor como documento histórico, médico y documento gráfico además de como obra personal con un valor artístico. La primera utilidad que tuvo la fotografía en medicina y por supuesto también en psiquiatría fue la de vehículo de ilustración y divulgación de la fisognomía y la psicopatología del individuo. Ya he escrito en este blog sobre la fotografia y Duchene, las primeras fotografias de un caso de hermafroditismo y ahora le toca a la enfermedad mental. Hay que recordar que además por el 1800 están los orígenes de la psicometría y la eugenesia y la fotografía también se utiliza en estas fechas para la psicometría e identificar delincuentes  y para intentar explicar con esta trastornos de la personalidad y psicológicos (hable algo de ello en la entrada de Havelock Ellis).

En este contexto es en el que debemos de situar a nuestro artista fotógrafo de hoy, Hugh Welch Diamond.



Huhg Welch Diamond retratado por Henry Peach

Hugh Welch Diamond fue un médico y psiquiatra Inglés nacido en 1809 in Goudhurst, Kent, que por su afición y dominio de la fotografía, aplicada a su profesión, es conocido como el padre de la fotografía psiquiátrica.

Hugh Welch fue educado en Norwich School y posteriormente estudió medicina en el Colegio Real de Cirujanos en 1824. Abrió consulta médica privada en el Soho de Londres y tras unos años de trabajo,  entre 1848 y 1858 y siguiendo los pasos de su padre que había dirigido un establecimiento para enfermos mentales, se especializa en psiquiatría, y ocupa la plaza de superintendente del departamento de mujeres del Surrey County Lunatic Asylum. En esta época comienza a retratar a diversos pacientes del asilo con el fin de ilustrar los diferentes tipos de locura, convencido de que el diagnóstico podía deducirse de la expresión facial.



“El fotógrafo [a diferencia del Metafísico y Moralista, el Médico y el Fisiólogo] no necesita la mayoría de ocasiones de un discurso propio, prefiere escuchar, con la imagen delante, al silencioso pero elocuente lenguaje de la naturaleza. – para él es innecesario utilizar los vagos términos que denotan una diferencia en el grado de sufrimiento mental, como por ejemplo aflicción, pena, pena profunda, dolor, melancolía, angustia, desesperación; la imagen habla por si misma con la mayor precisión e indica el punto exacto que se ha alcanzado en la escala de infelicidad…”

Hugh Welch presentó en varias ocasiones su trabajo en público. La primera fue en la muestra organizada por la Society of Arts en 1852, la primera exposición exclusivamente dedicada a la fotografía y en la que se presentaron más de 1000 imágenes, entre ellas dos colecciones de retratos titulados “Tipos de Locura”, positivados sobre cristal con la más reciente técnica del colodión húmedo. Algunos de sus muchos calotipos que presentan las expresiones de las personas que sufren trastornos mentales son particularmente conmovedores. Huhg hace obras de arte de clara tendencia pictorialista en las que en ocasiones da la impresión de que hace posar a las pacientes en actitudes un poco teatrales y no muy espontaneas, las arregla, las coloca y lo hace todo sigueindo paronea clasicos del retrato artístico.

Para mi es bastante evidente que los retratos que hacia Huhg Welch no los consideraba simplemente documentos médicos, sino también obras de arte

Pero verdadero el interés  e impacto académico de las fotografías hechas por Hug Welch en el Asilo de Surrey ocurre con las publicaciones de John Conolly en 1858 sobre la fisognomía de la locura, ilustradas con estas fotografía. En 1839 Conolly fue nombrado médico residente del Middlesex County Asylum, un asilo para alienados del condado de Hanwell que por aquel entonces era el manicomio más grande de Inglaterra, con capacidad para 1000 internos.

 

Si miramos estas fotografías de Hug Welch desde la segunda perspectiva que mencionaba al comienzo del post y haciendo caso a sus mismas palabras, podremos que ver que el autor daba mas utilidades a sus fotografía, adelantándose incluso a su tiepo con algunas de sus proposiciones. En 1856 dio una conferencia en la Royal Society, presentando con entusiasmo la utilidad de la fotografía para:

1) El registro del aspecto de los enfermos con ánimo diagnóstico o clasificatorio
2) identificación y recuerdo de pacientes en caso de necesitarse una readmisión;
3) Tratamiento psiquiátrico al presentar sus propios retratos a los pacientes, pues según él recibirían una auto-imagen muy precisa, lo que ayudaría su cura.

En 1856 y tras el fallecimiento de un paciente por el tratamiento indicado por uno de sus colegas y la

investigación subsiguiente, Hugh Welch, dimitió de su cargo en el Asilo de Surrey y abrió una una pequeña clínica privada , dedicándose además con gran interés al mundo de las antigüedades. A partir de entonces no se conocen otras fotografías suyas de pacientes, aunque miembro y fotógrafo de honor de la Society of Antiquaries, Hugh Welch también fotografió antigüedades y escribió artículos semanales sobre la fotografía para una revista de anticuarios. Fue también un activo paisajista y estuvo interesado en la arqueología.
 

En reconocimiento por su aliento y por su disposición a compartir sus conocimientos se le concedió en 1855, un premio testimonial de  300 £ por su servicio a la fotografía, suscrito entre otros por Delamotte, Fenton y George Shadbolt.

En 1867, la Photographic Society le concedió su medalla en reconocimiento a "su larga y exitosa labor como uno de los principales pioneros del arte fotográfico y de sus continuos esfuerzos para su avance".

Al año siguiente, por iniciativa propia, renunció a cualquier salario más como secretario de la Sociedad, y se convirtió en su Secretario Honorífico.

Henry Peach Robinson, fotógrafo pictorialista sobre el que pienso escribir otra entrada en el Blog reconocía A Hugh Welch como  su"figura paterna" de la fotografía.

Hugh Welch Diamond fallece el 21 de Junio de 1886 en Twickenham.

Nickolas Muray y la fotografía en color

Yo no se que tiene y ha tenido Hungría que nos ha dejado unos cuantos genios de la fotografía: André Ketertész, Lászlo Moholy-Nagy, Gyula Halàsz (Brassaï),  Endre Friedmann (Robert Capa) y Nickolas Muray por citar algunos de los mas importantes.

Las fotografías de André Kertesz me apasionan, como las de Robert Capa, aunque por motivos muy distintos y me gustaría ponerme a escribir sobre ellos, pero en esta ocasión, siguiendo el hilo de mis pensamientos, que estos días han estado con el origen de la fotografía en color y los autocromos, el arte y la medicina, voy a hablar un poquito del último, Nickolas Muray.

Nickolas Mandl nació en el seno de una familia judía en Hungría en 1982. Siendo aún muy niño su padre decide que se muden a Budapest y se cambia el apellido por Muray en un intento de huir del antisemitismo imperante. El joven Nickolas estudia en la Escuela de Artes gráficas de Budapest aprendiendo fotografía, litografía y fotograbado. Una vez terminados sus estudios se traslada a Berlín dónde hace un curso de tres años de duración de fotograbado y aprende a hacer filtros en color. En 1913 con la amenaza de la guerra en ciernes y a sus 21 años de edad, emigra a Estados Unidos, para establecerse en Nueva York donde establece su estudio de fotografía. Sus primeros trabajos en fotografía fueron en una empresa de impresión en colores en Brooklin (en Stockinger Photo-Engraving and Printing Co) y poco a poco se hace famoso como retratista de las celebridades de Nueva York. Entre 1920 y 1940, Nickolas Muray hizo más de 10.000 retratos. Posteriormente se pasará al mundo de la fotografía publicitaria. Muray publicó en revistas como Harper's Bazar, Vogue, Vanity Fair o The New York Times pero su trabajo más conocido son los numerosos retratos de la que fue durante mucho tiempo su amante: Frida Kahlo. Como no podía ser de otra manera, la gran parte de ellos son unos maravillosos retratos a todo color.

Curiosamente Frida Kahlo era hija de otro fotógrafo húngaro, Guillermo Kahlo.

Autorretrato de Guillermo Kahlo

La relación amorosa de Muray con Frida Kahlo comienza en 1931, tras el divorcio de Muray de su segunda esposa, y poco después del matrimonio de Kahlo con el pintor mexicano Diego Rivera. Muray quiso casarse con Frida, pero ella le quería solamente como amante y no como marido, con lo cual Muray acabó por desengañarse y se casó con la que sería su cuarta esposa Peggy Muray (pues por enmedio ya se había casado y divorcioado de una tercera mujer). Con la historía amorosa y matrimonial de Muray, es bastante normal que Frida no quisiese oir hablar de matrimonio a Muray. Terminados sus amoríos, Muray y Kahlo siguieron siendo siempre buenos amigos, hasta que en 1954 Muray fallece. También hay que decir que Frida Kahlo era de armas tomar, bisexual y muy liberal, tuvo varios amantes masculinos de renombre, entre los que se encuentran, además de su marido Diego Rivera, Nickloas Muray y León Trosky. Pero bueno, dejemos la vida de Frida para otro momento.

Una de las cosas que hizo famoso a Muray fue su dominio de la técnica de impresión al carbón tricolor en fotografía y como no sus retratos en color de celebridades. El que mas famoso le hizo fue el de su amante cuando esta estaba en Nueva York. He aquí el retrato y otros retratos que hizo de Frida a todo color

Hasta aquí la relación de este genial Húngaro con la fotografía y el color, vamos ahora con la no menos apasionante relación de Muray con la medicina. En este caso, su relación con la medicina es como paciente.

Muray fue toda su vida un apasionado del deporte y en concreto de la esgrima. Pertenecia al New York Athletic Club de esgrima y llegó a competir en los juegos Olímpicos de 1928 y de 1932  representando a los Estados Unidos en la categoría de esgrima. En 1950, cuatro años antes de su muerte, Muray tuvo un ataque cardiaco del que salió vivo gracias a un masaje cardiaco de un compañero de esgrima que era médico. Afecto de cardiopatía isquemica, Muray siguió practicando la esgrima  y dos años después tuvo un segundo y definitivo ataque cardiaco en la misma sala de esgrima, falleciendo sin remedio. En dicha sala hay una placa conmemorativa en su honor.

Y ahora, casi sin venir a cuento comento que Muray tabién tiene unos hermosos retratos en color de Marilyn, pero que yo sepa, con esta mujer no tuvo lio alguno de faldas. De todas formas, como me encantan tanto las fotos como la fotografiada, aprovecho y las pongo en la entrada. :)

Como despedida de esta entrada, una hermosa frase de Nickolas Muray sobre la fotografía y su significado:

"Photography, fortunately, to me has not only been a profession but also a contact between people to understand human nature and record, if possible, the best in each individual."