La fotografía en color y Santiago Ramón y Cajal

Hijo de un médico rural, Santiago Ramón y Cajal nace en Petilla de Aragón, Navarra, el 1 de mayo de 1852. Desde los dos años cambia de localidad con frecuencia debido al trabajo de su padre.
Estudia Medicina en Zaragoza y se doctora en 1877. Durante su vida ocupa cátedras en la Facultad de Medicina de Valencia (1884), Barcelona (1888) y Madrid (1892), y en 1906 recibe el premio Nobel de Medicina y Fisiología  por sus investigaciones sobre los mecanismos que gobiernan la morfología y los procesos conectivos de las células nerviosas.



Una faceta menos conocida de la compleja y curiosa personalidad de Santiago Ramón y Cajal, es la de su afición por la fotografía que le acompañó toda su vida.

Cajal aprende los fundamentos de la fotografía en su época de estudiante de Bachillerato en Huesca, de unos fotógrafos ambulantes pero no comienza  verdaderamente a hacer fotografías hasta 1878. Ese año, Cajal cae enfermo y se traslada al Balneario de Panticosa donde durante su convalecencia se dedica a hacer fotografías. Ya no dejará de hacerlo durante toda su vida, pero no se dedicaria profesionalmente a ello, a pesar de lo cual, dedicó mucho tiempo y esfuerzo en la investigación de emulsiones fotosensibles y tipos de impresión fotográfica. En 1880 fabricó placas fotográficas ultrarrápidas de emulsión de gelatino-bromuto que podian ser expuestas en tan solo 3 segundos. Experimentó también con las nuevas técnicas del fotograbado, la fotomicrografía y la fotografía estereoscópica, y creó las fotolitografías.

Su afición le llevó a autorretratarse multitud de veces desde su juventud hasta la madurez.



Autorretratos



Cajal fue pionero de la fotografía en color en España, escribiendo incluso un libro sobre el tema que publica en 1912, contando 60 años de edad. «La fotografía de los colores»



Su cámara de fotos estereoscópica y su libro de fotografía



El procediiento fotográfico en color por aquella época era la placa autocroma. Este es un procedimiento de síntesis aditiva patentado por los hermanos  Auguste et Louis Lumière en 1903 y comercializado por ellos mismos 4 años mas tarde. Los hemanos Lumieré anunciaron la inveción del autocromo el Lunes 10 de Junio de 1907. Este fue el único procedimiento disponible para hacer fotografias en color hasta 1935. Las placas autocromas constaban de un mosaico de microscópicos granos de almidón, usualmente fécula de patata, sobre la base de una película en blanco y negro en una placa de cristal. Los granos eran teñidos de color naranja, verde y morado, actuando de esta forma como filtros de color. Tras el procesado de la placa surgían los colores complementarios.Una vez concluido el proceso de revelado y fijado se invertía la imagen para obtener un positivo; todo ello en la misma placa. Tras revelar y positivar, la observación a la luz blanca a través de la misma pantalla de filtraje producía unaimpresión en color. Las placas autocromas son por tanto piezas únicas, pues no existen negativos para obtener copias. De la fábrica de los Lumière en Lyon salieron millones de estas delgadas y frágiles placas de vidrio durante casi 25 años. Eran relativamente fáciles de usar y, aunque costaban cuatro veces más que las placas monocromáticas, se vendían como pan caliente en cajitas de cuatro unidades, hasta que en 1931 se descontinuaron y se comenzó a utilizar celuloide para las fotos a color.

Cajal se entusiasmo con el descubrimiento, como esplicó en su libro:

“Hétenos ya, gracias al maravilloso invento de Lumière, emancipados de la intolerable esclavitud del blanco y negro. Flores y frutos, celajes y montañas, bosques y lagos, labios y mejillas, cabellos rubios o castaños, trajes y adornos policromos…todos estos y otros mil motivos artísticos, antaño inabordables, resultan ahora empresas llenísimas, vulgares, accesibles al más modesto cultivador del objetivo.”

 “Bastan en rigor seis u ocho minutos para impresionar, revelar, invertir, redesenvolver (sic.), lavar y entregar al cliente una heliocromia (sic.), asombro de verdad y de belleza, cuando para hacer una buena fotocopia en negro es menester casi un día, a menos de resucitar el trasnochado y pueril procedimiento del ferrotipo, regocijo en otro tiempo de ferias y delicia de soldados y criadas”.

Os dejo de muestra unos cuantos de sus autocromos, el último, un autorretrato:

Y para terminar, un retrato en color de Santiago Ramón y Cajal con su nieta





En 1934, poco antes de fallecer, dejó escrito que la fotografía tenía dos estéticas: la documental y la de galería o artística.

Cajal fallecido en Madrid el 17 de octubre de 1934.

Los Españoles perdimos posiblemente un buen artista, pero ganamos un Premio Nobel de Medicina.

Impresionismo y Pictorialismo, Degas y Demachy.

No hace mucho, en una entrada del blog, hablaba de Nadar y comentaba como había comenzado trabajando de caricaturista en una revista satírica Parisina de gran importancia en la época, "Le Charivari" editado de 1832 a 1837.

Le Chareivari era una revista satírica y crítica que hacía oposición a la  "monarchie de Juillet" (1830-1848)  que siguió a la restauración francesa. Unas veces mas conservadores, otras mas modernos o republicanos pero siempre anticlericales, Le Charivari sacaba punta a todo lo que podía y en especial a la política, hasta el punto de que a causa de sus caricaturas su fundador y director, Charles Philipon

 

un ilustrador , litógrafo, periodista, y también fundador de la editorial Aubert, fue procesado mas de una vez por insultar al rey. La primera vez fue por una caricatura en la que aparecía el rey. Philipon fue absuelto al asegurar que el dibujo no representaba al rey y que él no tenía la culpa si a la gente se lo parecía; pero en la segunda ocasión Philipon fue declarado culpable de "atentados contra la persona del rey" pues publicó como argumento de la absolución de su primer proceso una caricatura que demostraba que cualquier cosa podía parecerse al monarca, como por ejemplo, una pera .

La caricatura se hizo tan famosa que consiguió que cualquier representación de una pera o una pera misma fuese utilizada como símbolo contra la Monarquia. En consecuenciq, París se llenó de peras y el 12 de Enero de 1932 Philipon fue condenado a 6 meses de prisión y pagar una multa de 2.000 francos; otros cargos diferentes sumaron 7 meses mas a su condena. ¡Por cachondo!

Esto viene al cuento porque en Le Charivarí también trabajó como crítico de arte,



 Louis Leroy (1812 - 1885) un pintor, grabador, dramaturgo y periodista. Su crítica satírica publicada en Le Charivari contra la exposición de artistas independientes de 1874 acuñó el término "impresionista", inicialmente dirigido contra el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet.

La exhibición de los impresionistas, recreaba un supuesto diálogo entre dos espectadores. Al pie de la caricatura de Louis Leroy estaba la siguiente leyenda:  «Que représente cette toile ? Impression ! Impression, j'en étais sûr. Je me disais aussi puisque je suis impressionné, il doit y avoir de l'impression là-dedans. […] Un papier peint est plus travaillé que cette marine.» Que viene a querer decir ¿Qué representa este cuadro? Impresión! Seguro, impresión, ya me parecía a mi! que estoy también impresionado, debe de haber alguien impresionando por todos sitios. Un papel pintado está mas trabajado que esta marina. Es decir, se burlaba del título del cuadro, pretendiendo encontrar en él una categoría general aplicable a otros artistas de estilo similar, que habían organizado la exposición ¿en dónde? ¡O casualidades de la vida, en el salón del fotógrafo Nadar! Los pintores que intervenían eran Pissarro, Monet, Sisley, Degas, Renoir, Cézanne, Guillaumin y Berthe Morisot.

Y como a mi me gusta el arte, en especial la pintura y la fotografía, es ahora cuando empiezo a hablar de una cosa que especialmente me asombra o mejor dicho "me impresiona": el parecido que hay entre algunas fotografías de Demachy y pinturas de Degas.

Demachy fue un francés hijo de familia adinerada que nació el 7 de julio de 1859 en Saint-Germain-en-Laye. Al poco de nacer su familia regresó a su residencia de París donde recibió una educación excelente en el colegio de los jesuitas. Hasta los cincuenta años vivió en esa misma casa y sólo la abandonó por viajes o motivos de seguridad. Salvo un breve periodo en el ejército al cumplir los dieciocho años, la vida de Demachy fue placentera frecuentando cafés de artistas y participando en la vida bohemia parisina.

A mediados de 1870 Demachy descubre la fotografía y se apasiona de tal manera que dedica entonces todo su tiempo a ella. Se convierte en uno de los grandes fotográfos pictorialistas de la época. Utilizó diferentes técnicas fotograficas siempre con la intención de acercar la fotografía a la pintura: la goma bicromatada, la impresión al óleo y el bromoleo. En 1882 fue elegido miembro de la Sociedad Francesa de Fotografía. En 1888 funda con Maurice Bucquet el Photo Club de París en el que se mantenían los principios estéticos del pictorialismo. En 1895 sería elegido como miembro destacado de The Linked Ring. En 1893 se casó con Adelia y se convirtió en uno de los primeros parisinos poseedor de un automóvil. No se si el que sale en esta fotografía es el suyo

En 1894 junto con Constant Puyo, Le Begue y Bucquet colaboró en la organización del primer Salón de París, basado en los principios artísticos del Foto Club de París. En 1897 publicó su primer libro junto a Alfred Maskell, a partir del año siguiente comenzó una relación epistolar centrada en las ideas fotográficas con Alfred Stieglitz que duró quince años. En 1904 publicó varios de sus trabajos en Camera Work, lo que significó dar a conocer su trabajo en Estados Unidos. En 1905 es elegido miembro de la Royal Photographic Society. Durante la primera década del siglo XX siguió escribiendo sobre fotografía, y pronto se convirtió en uno de los escritores más prolíficos sobre el tema, incluso sigue siéndolo en la actualidad. Durante su vida escribió más de mil artículos sobre la estética y las técnicas de manipulado de las impresiones. Sin previo aviso ni explicación, de repente dejó Demachy de hacer fotografías a principios de 1914. Nunca más tocó una cámara, incluso se negó a tomar instantáneas de sus nietos. Murió de ateroesclerosis el 29 de diciembre de 1936, siendo trasladado su cadáver dos días después al panteón familiar en París. Poco antes de su muerte destruyó sus bocetos y las fotografías que le quedaban de sus anteriores exposiciones.

Demachy tiene muchas fotografias a la goma bicromatada o al bromoleo que son verdaderos cuadros. Estoy convencido que a muchas personas hoy en día les costaría diferenciar si son realmente fotografías o pinturas, porque las tecnicas fotograficas y de impresión hoy son completamente diferentes.

A mi me maravillaron en cuanto las conocí las fotografías que tiene de bailarinas.
Las bailarinas de Demachy me recuerdan inmediatamente en cuanto las veo a las bailarinas de los cuadros de Degas. ¡Se parecen mas a las bailarinas de Degas que las propias fotografías que hacia Degas para luego pintar  a sus bailarinas!

Estas son de Degas





Estas de Demachy



Sí, es que resulta que Degas, en 1895 cuando le comienza a fallar la vista, utiliza la fotografía para tomar imágenes que luego utilizará en sus cuadros. Esto no se supo hasta el fallecimiento de Degas en 1917, momento en el que se pudo entrar en su estudio y descubrir lo que solo los mas allegados al pintor sabían. ¡utilizaba y le gustaba la fotografía! sus fotos revelan el deseo de explorar el movimiento y la luz. Pero hoy es innegable. He aquí una fotografía de Degas y un cuadro suyo del mismo año:



Degas tenía 61 años cuando en el otoño de aquel año viajó a un balneario de Mont-Dore, en Auvernia, y llevó una cámara y un trípode consigo  desde entonces los dos se hicieron amigos. Julie Manet, sobrina del pintor Edouard Manet, escribió en su día: «Degas no puede pensar en otra cosa que no sea la fotografía». Un poco exagerado, pero interesante comentario.

Peter Henry Emerson: Médico y fotógrafo de la naturaleza.

Para no perder la línea de las anteriores entradas, hoy voy a hablar un poco de otro médico que fue un apasionado de la fotografía y el arte y por ende pictorialista, Peter Henry Emerson

(mayo de 1856, Sagua la Grande, Cuba- 12 de mayo de 1936, Falmouth, Reino Unido)

Peter Henry Emerson nació en una plantación de azúcar propiedad de su padre en Cuba. A la edad de 8 años se traslada a Willmington en Delaware y  en 1869 a raíz de la muerte de su padre, a la edad de 14 años, se traslada con su madre al país de origen de la misma, Inglaterra.

Es en 1879 cuando se  matricula en el King´s College de Londres para estudiar medicina. Posteriormente se traslada al Clare College de Cambridge y finamente retorna al King College Hospital para ocupar una plaza de médico ganada en unas oposiciones.

Juliet  Hacking dice en su Libro "Fotografía. Toda la historia" que Peter Henry Emerson obtiene el título de médico en 1885 pero que nuca llega a ejercer como tal, pero la Wikipedia afirma que Peter compra su primera cámara fotográfica en 1882 para ilustrar con sus fotografías un tratado de ornitología que escribía un amigo, que dos años después se traslada a vivir a Norfolk Broads donde enamorado del paisaje y la naturaleza comienza a escribir y hacer fotografías. A tal punto llega el hechizo que ejerce Norfolk sobre Peter que otros dos años mas tarde abandona su puesto médico y deja el trabajo y la profesión para dedicarse en cuerpo y alma a su nueva pasión.

En 1885 Peter colabora en la fundación del London Camera Club y desde entonces se dedica a hacer exposiciones fotográficas, ganando varios premios, entre ellos el de la Royal Photographic Society. Como fotógrafo, Peter Henry Emerson dio además conferencias, escribió teorías y críticas, organizó y juzgó exposiciones.

En 1889 publicó su libro Naturalistic photography (Fotografía naturalista o del natural) que recoge sus ideas sobre la fotografía. Para Emerson el “arte sincero” supone una respuesta precisa y sensible a los acontecimientos naturales. Defendió el papel de la fotografía como arte  utilizando presupuestos naturalistas y fue defensor de la toma de fotografías del natural y de forma directa. Peter propone la fotografia al natural de la naturaleza en exteriores y reniega de las manipulaciones del negativo.

Emerson menospreció la obra de Henry Peach Robinson, por entonces fotógrafo pictorialista de moda en Inglaterra, y criticó no sólo la artificialidad de las poses y su sentimentalismo, sino también lo que constituía la técnica central de Robinson: la obtención de copias por combinación de varios negativos. Emerson criticó todas las intervenciones manuales hasta el retoque y defendió la pureza de la imagen directa no manipulada, y de la visión fotográfica sin artificios.

Link al libro completo

Las fotografías de sus cuatro primeras publicaciones ilustradas: Vida y paisaje de Norfolk Broads (1886), Imágenes de la vida de los campos y pantanos (1887), Idilios de Norfolk Broads (1894) y Escenas de la vida al este de Inglaterra (1888); son una selección de lo realizado en 1885 y 1886.

Aunque su tema común es el trabajo y el ambiente del campesinado en el este de Inglaterra, por lo que Emerson podría ser considerado como uno de los primeros documentalistas, los motivos aparecen siempre subordinados al estilo y hay una serie de actitudes artísticas que denuncian la presencia del autor.



At Plough, The End of the Furrow, 1887



Recogiendo la caña, 1886.





Un arrastre difícil, 1886. Platinotia.





Blackshore, River Blythe, Suffolk , 1888



Confessions, 1887



Pescadores de la costa este, 1886. Platinotia.







In the Barley Harvest 1888  Fotograbado.



Twixt Land and Water from Life and Landscape on the Norfolk Broads (London, 1886)



The First Frost from Life and Landscape on the Norfolk Broads (London, 1886) 





Gathering Water-Lilies from Life and Landscape on the Norfolk Broads (London, 1886)



Marshman Going to Cut Schoof-Stuff from Life and Landscape on the Norfolk Broads

(London, 1886) 

 Poling the Marsh Hay from Life and Landscape on the Norfolk Broads (London, 1886)

 A Reed-Cutter at Work from Life and Landscape on the Norfolk Broads (London, 1886)

 Rowing home the Schoof-Stuff from Life and Landscape on the Norfolk Broads (1886)

 A Rushy Shore from Life and Landscape on the Norfolk Broads (1886)

 Setting up the Bow-Net from Life and Landscape on the Norfolk Broads (London, 1886)

 Snipe-Shooting from Life and Landscape on the Norfolk Broads (London, 1886)

 The Clay Mill from Pictures of East Anglian Life (1888)



 El refugio de Pike, 1885. Platinotia.

En 1890, dos años después de la publicación del libro, Emerson se retractó de sus opiniones en un escrito titulado The Death of Naturalistic Photography (La muerte de la fotografía natural). Las implicaciones de algunos experimentos referentes a la sensibilidad de los materiales fotográficos al parecer le llevaron a la conclusión de que la fotografía al ser un proceso puramente mecánico, no podía aspirar a la categoría de arte. En la tercera edición de su libro Naturalistic Photography Emerson cambia el título de su último capítulo Photography a pictorial art (La fotografía un arte pictórico) por Photography not an art (La fotografía no es un arte).

El último año de actividad fotográfica de Emerson fue 1891 durante el que realizó las imágenes para Hojas de pantano publicado en 1895.

Emerson murió en 1936 en Falmouth.

Mas info aquí

Médicos, fotógrafos y criminales

En esta ocasión, otra entrada de médicos, fotografía y en este caso criminales; pienso contaros un poco de la historia de Havellock Ellis y su relación con la fotografía.

Henry Havelock Ellis (Croydon, 2 de febrero de 1859 - Hintlesham, Suffolk, 8 de julio de 1939)



fue un sexólogo, médico,activista social británico y partidario de la eugenesia. Hijo de Edward Peppen Ellis y Susannah Mary Wheatley, ambos con familia de tradición marinera. En abril de 1875 se embarcó en el barco de su padre hacia Australia y allí se quedó trabajando como profesor hasta  abril de 1879, momento en el que decide volver a su país natal. Ellis quería dedicarse al estudio del sexo y creía que lo podría conseguir mejor desde la perspectiva de la medicina por lo que se matriculó y estudió dicha carrera en el St. Thomas's Hospital aunque después nunca practicó la profesión con carácter formal. Ingresó en la organización The Fellowship of the New Life («La Hermandad de la Vida Nueva») en el año 1883, donde tuvo la ocasión de conocer a otros activistas sociales, como por ejemplo Edward Carpenter y George Bernard Shaw. Ellis es archiconocido por su obra "Sexual Inversion" escrita en colaboración con John Addington Symonds y que fue el primer texto médico en inglés sobre la homosexualidad.

Pero en esta entrada no vamos a hablar de la homosexualidad ni de cualquier otro tema sexual. De lo que se va a tratar en esta entrada es de la relación de Havellock Ellis con la fotografía, para lo cual deberemos antes hablar del concepto de "degenerado" y del "crimen" ¿Os llama ya esto la atención aunque no se hable de sexo?  :)

Andando el 1800 y pico algunos científicos pensaban que la delincuencia se asociaba con la noción de "degeneración", que según se creía era una característica innata de determinados sectores de la población. Havellock Ellis publicó en 1890 un libró  titulado"El delincuente", para explicar sus teorías de la degeneración.



Havelock Ellis clasificaba a los delincuentes en cuatro categorías:

1. El delincuente político: "es la víctima de un intento de un gobierno más o menos despótico que busca preservar su propio estatus".

2. El delincuente por pasión: "generalmente es un hombre bien nacido y una vida honesta, quien bajo la presión de un gran e inmerecido mal, se toma la justicia por sí mismo.”

3. El delincuente demente criminal: que "no puede ser considerado más criminal que un niño, en tanto su mentalidad es similar a la de un infante o un animal."

4. El delincuente ocasional: que condicionado por la educación y las condiciones socioeconómicas “representa con diferencia el grupo más amplio de la población de nuestras prisiones, en tanto es la mayor amenaza al bienestar social”.

Para Ellis además existe una profunda relación entre los crímenes y el precio del alcohol, y entre los crímenes contra la propiedad y el precio del trigo.

Lo interesante de esta publicación de Ellis es que utilizó fotografías de los presos para ilustar sus teorías.

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