Nickolas Muray y la fotografía en color

Yo no se que tiene y ha tenido Hungría que nos ha dejado unos cuantos genios de la fotografía: André Ketertész, Lászlo Moholy-Nagy, Gyula Halàsz (Brassaï),  Endre Friedmann (Robert Capa) y Nickolas Muray por citar algunos de los mas importantes.

Las fotografías de André Kertesz me apasionan, como las de Robert Capa, aunque por motivos muy distintos y me gustaría ponerme a escribir sobre ellos, pero en esta ocasión, siguiendo el hilo de mis pensamientos, que estos días han estado con el origen de la fotografía en color y los autocromos, el arte y la medicina, voy a hablar un poquito del último, Nickolas Muray.

Nickolas Mandl nació en el seno de una familia judía en Hungría en 1982. Siendo aún muy niño su padre decide que se muden a Budapest y se cambia el apellido por Muray en un intento de huir del antisemitismo imperante. El joven Nickolas estudia en la Escuela de Artes gráficas de Budapest aprendiendo fotografía, litografía y fotograbado. Una vez terminados sus estudios se traslada a Berlín dónde hace un curso de tres años de duración de fotograbado y aprende a hacer filtros en color. En 1913 con la amenaza de la guerra en ciernes y a sus 21 años de edad, emigra a Estados Unidos, para establecerse en Nueva York donde establece su estudio de fotografía. Sus primeros trabajos en fotografía fueron en una empresa de impresión en colores en Brooklin (en Stockinger Photo-Engraving and Printing Co) y poco a poco se hace famoso como retratista de las celebridades de Nueva York. Entre 1920 y 1940, Nickolas Muray hizo más de 10.000 retratos. Posteriormente se pasará al mundo de la fotografía publicitaria. Muray publicó en revistas como Harper's Bazar, Vogue, Vanity Fair o The New York Times pero su trabajo más conocido son los numerosos retratos de la que fue durante mucho tiempo su amante: Frida Kahlo. Como no podía ser de otra manera, la gran parte de ellos son unos maravillosos retratos a todo color.

Curiosamente Frida Kahlo era hija de otro fotógrafo húngaro, Guillermo Kahlo.

Autorretrato de Guillermo Kahlo

La relación amorosa de Muray con Frida Kahlo comienza en 1931, tras el divorcio de Muray de su segunda esposa, y poco después del matrimonio de Kahlo con el pintor mexicano Diego Rivera. Muray quiso casarse con Frida, pero ella le quería solamente como amante y no como marido, con lo cual Muray acabó por desengañarse y se casó con la que sería su cuarta esposa Peggy Muray (pues por enmedio ya se había casado y divorcioado de una tercera mujer). Con la historía amorosa y matrimonial de Muray, es bastante normal que Frida no quisiese oir hablar de matrimonio a Muray. Terminados sus amoríos, Muray y Kahlo siguieron siendo siempre buenos amigos, hasta que en 1954 Muray fallece. También hay que decir que Frida Kahlo era de armas tomar, bisexual y muy liberal, tuvo varios amantes masculinos de renombre, entre los que se encuentran, además de su marido Diego Rivera, Nickloas Muray y León Trosky. Pero bueno, dejemos la vida de Frida para otro momento.

Una de las cosas que hizo famoso a Muray fue su dominio de la técnica de impresión al carbón tricolor en fotografía y como no sus retratos en color de celebridades. El que mas famoso le hizo fue el de su amante cuando esta estaba en Nueva York. He aquí el retrato y otros retratos que hizo de Frida a todo color

Hasta aquí la relación de este genial Húngaro con la fotografía y el color, vamos ahora con la no menos apasionante relación de Muray con la medicina. En este caso, su relación con la medicina es como paciente.

Muray fue toda su vida un apasionado del deporte y en concreto de la esgrima. Pertenecia al New York Athletic Club de esgrima y llegó a competir en los juegos Olímpicos de 1928 y de 1932  representando a los Estados Unidos en la categoría de esgrima. En 1950, cuatro años antes de su muerte, Muray tuvo un ataque cardiaco del que salió vivo gracias a un masaje cardiaco de un compañero de esgrima que era médico. Afecto de cardiopatía isquemica, Muray siguió practicando la esgrima  y dos años después tuvo un segundo y definitivo ataque cardiaco en la misma sala de esgrima, falleciendo sin remedio. En dicha sala hay una placa conmemorativa en su honor.

Y ahora, casi sin venir a cuento comento que Muray tabién tiene unos hermosos retratos en color de Marilyn, pero que yo sepa, con esta mujer no tuvo lio alguno de faldas. De todas formas, como me encantan tanto las fotos como la fotografiada, aprovecho y las pongo en la entrada. :)

Como despedida de esta entrada, una hermosa frase de Nickolas Muray sobre la fotografía y su significado:

"Photography, fortunately, to me has not only been a profession but also a contact between people to understand human nature and record, if possible, the best in each individual."

Einrich Kühn y el delicado sentido de los colores.

Llevo unos cuantos días escribiendo entradas sobre fotografía y médicos, relacionando medicina, fotografía y arte. No puedo evitarlo, arte y en especial pintura y fotografía son mi pasión y la medicina es mi profesión desde que comencé a trabajar. He comentado cosas sobre fotografía y Duchene, fotografía y Ramón y Cajal, fotografía y Nadar y Trousseau, fotografía y Peter Henry Emerson, fotografía y Henry Havelock Ellis.  El último post, siguiendo el hilo de la autocromía iniciado al hablar de la pasión fotografica de Santiago Ramón y Cajal y sus autocromos, versaba sobre la reunión en Baviera de Frank Eugene, Heinrich Kühn, steichen y Stieglitz, casi recién nacido el autocromo de los hermanos Lumiére. Así que hoy era prácticamente inevitable que mi mente se fuese un rato a distraer con Los autocromos de Heinrich Kühn.

No podía ser de otra forma porque Carl Christian Heinrich Kühn (nacido en 1866 en Dresden y fallecido en 1944 en Birgitz, Austria), estudió botánica y medicina en Leipzig, Berlín y Freiburg.

  ¡Otro médico apasionado del arte y la fotografía!

Una vez graduado, Heinrich Kühn continuó sus estudios en el Instituto de Anatomía Patológica en la Universidad de Innsbruck, donde realizó sus primeros experimentos en microfotografía con el profesor G.A. Pommern. Sus tendencias artísticas y conocimientos en pìntura y música pudieron con él y en 1890 abandona por completo la medicina y se dedica esclusivamente a la fotografía. Fue uno de los pioneros de la fotografía en color mediante el proceso de autocromo.

No hablaré mas de la biografía de Kühn, el que esté interesado por su relación con el Camera Club, The Linked Ring y Photo Secesión, puede consultar en la web aquí y aquí. En esta entrada simplemente quiero compartir algunos de sus autocromos.






Un par de autocromos de sus colores y equipo de pintura

Unos cuantos autocromos de flores y fruta

Un par de autocromos de paisajes

Kühn logró desarrollar mediante sus fotografías una obra modernista, adelantada a su época, y en el limitado marco de su vida familiar. Los autocromos  de sus hijos con la niñera que los cuidaba cuando él se había quedado viudo son verdaderos cuadros impresionistas.



Como buen pictorialista, la mayor ambición  de Heinrich Kühn fue crear fotografías cuyo valor artístico pudiera rivalizar con la pintura. Künh dijo en un escrito en 1907: “solo alguien que posee un sentido delicado de los colores debería trabajar con el proceso del autocromo”. El lo tenía, había estudiado música y pintura.

Con sus hermosos autocromos con imágenes de atrevidas composiciones, simplificadas hasta el extremo, Kühn se impuso como una de las figuras centrales del pictorialismo internacional.Kühn, consigue imponerse como uno de los grandes fotógrafos de estas primeras décadas del siglo XX, y ser considerado un auténtico maestro del autocromo.

Steichen, la reunión de Babiera y los autocromos

Andaba hoy de nuevo mi mente barruntando de nuevo sobre el asunto de los autocromos y el pictorialismo (en la entrada anterior hablaba de los inicios de la fotografía en color, el autocromo y del insigne Santiago Ramón y Cajal) cuando recordé que está historicamente recogido que en la presentación del proceso de autocromo por los hermanos Lumiére en Paris ese Junio de 1907 estuvieron presentes dos genios fotográficos, en su momento mas pictorialista. Hablo de Alfred Stieglitz y Edward Steichen.

Se sabe que Steichen saló decepcionado por las imágenes que presentaron los hermanos Lumiére en cuanto a contenido y calidad pero muy emocionado con el nuevo procedimiento. Compró placas de autocromo inmediatamente y esperimentando durante una semana, consiguiñó ya mejores fotografias en color, según su circulo de allegados, que las mostradas por los Lumiére.

Alfred Stieglitz viajaba con relativa frecuencia con su familia a Alemania y en uno de esos viajes en Julio de 1907 Frank Eugene dispuso una reunión en Tutzing, (un pequeño pueblo pesquero junto al lago Starnberg, en la alta Baviera) entre los dos y sus colegas fotógrafos Edward Steichen y Heinrich Kühn. Los cuatro hombres se reunieron para debatir y probar los aspectos técnicos del autocromo.¡Los cuatro fotógrafos estaban ansiosos por esperimentar con la nueva teccnología!.

Eugene, nacido en Estados Unidos, se había trasladado a Alemania en 1906 donde disponía de cierto reconocimiento como pintor y en 1907 entró a trabajar como profesor ayudante en la escuela de fotografía del Estado de Baviera conocida en esa época como "Lehr- und Versuchsanstalt für Photographie, Chemie, Lichtdruck und Gravüre".  Ese día decidió inmortalizar el encuentro con una fotografía en la que aparecen los cuatro fotógrafos (de izquierda a derecha Eugene, Stieglitz, Kühn y Steichen) analizando fotografías impresas en papel.

La luz resplandece entorno a los trajes claros de Kühn y Steichen y el rostro de Stieglitz, situado en el centro de la imagen sosteniendo en la mano la obra que analizan.Llama también la atención la cara de sorpresa de Kuhn.

El fondo de la fotografía se pierde en un remolino de rascadas enérgicas (Eugene modificaba con frecuencia los negativos de ese modo, utilizando una aguja de aguafuerte) para centrar la atemnción en los personajes y no en el fondo  dar una apariencia mucho mas pictorialista a la imagen.









Este es un positivo de la misma fotografia sin el procesado de Steichen,

Obsérvese la gran diferencia del fondo y como cambia la imagen

Las dos son estupendas fotografías pero la edición de Steichen a mi me parece una verdadera obra de arte, claro que para gustos hay colores.

Tras el anuncio del autocromo por los Lumiére, en cuestión de meses, Stieglitz y Steichen organizaron la primera exposición americana del nuevo proceso de autocromo. Los miembros del movimiento pictorialista exploraron el proceso Autocromo con gran creatividad y el interés, aunque en 1910 abandonaron gradualmente la técnica. Aun así, este corto período vio la producción de importantes ejemplos tempranos de la fotografía en color.

Era habitual que los pictorialistas se retratasen unos a otros y en este caso podemos disfrutar de un retrato de Stieglitz mediante el proceso de autocromo que hizo Steichen por esas fechas.



Que yo sepa no hay muchos autocromos de Steichen en museos, estando en poder del Eastman House la colección mas grande de ellos. Entre estos autocromos de Steichen hay uno que no fue descubierto hasta el 2007 y que tiene una curiosa historia. Es un retrato de Charlote Spaulding, la que fue mujer de Langdon Albright, hermano de John J. Albright, un importante hombre de negocios y filántropo de los años 20 en Búfalo.

El verano del 2007 Anthony Bannon, director del museo recibe una llamada de un anciano pintor que decía ser hijo de Charlotte Spauldig Albright que quería donarle al museo unos negativos en placas de vidrio que eran autocromos y su madre había tenido almacenados durante mucho tiempo. Era emocionante el poder tener en el museo algun autocromo realizado por Charllotte porque hasta 1910 que deja la fotografía al casarse, tuvo una breve carrera como fotógrafo y miembro de el influyente grupo Foto Secesión , dirigido por Steichen y Alfred Stieglitz.  Bannon se reune en el estacionamiento de una heladería de un suburbio de Buffalo con el abogado de Albright, que le da un paquete. La sorpresa de Bannon a desenvolverlo fue ver que uno de los autocromos que le donaban era de Charlotte Spaulding Albright, pero ¡ella era la fotografiada y el fotógrafo había sido Steichen!

Volviendo a Frank Eugene, podemos contar como casualidad al hilo que realizó en 1920 la que se considera su mayor exposición fotográfica y curiosamente ¡fue en Buffalo!.

Fueron veintisiete fotografías de las que sus platinotipias fueron muy bien valoradas, diez de las imágenes se publicaron en el Camera Work de abril y otras catorce en el número de julio.

Pero de Frank Eugene y Foto Secesion quizás hablemos más otro día.

La fotografía en color y Santiago Ramón y Cajal

Hijo de un médico rural, Santiago Ramón y Cajal nace en Petilla de Aragón, Navarra, el 1 de mayo de 1852. Desde los dos años cambia de localidad con frecuencia debido al trabajo de su padre.
Estudia Medicina en Zaragoza y se doctora en 1877. Durante su vida ocupa cátedras en la Facultad de Medicina de Valencia (1884), Barcelona (1888) y Madrid (1892), y en 1906 recibe el premio Nobel de Medicina y Fisiología  por sus investigaciones sobre los mecanismos que gobiernan la morfología y los procesos conectivos de las células nerviosas.



Una faceta menos conocida de la compleja y curiosa personalidad de Santiago Ramón y Cajal, es la de su afición por la fotografía que le acompañó toda su vida.

Cajal aprende los fundamentos de la fotografía en su época de estudiante de Bachillerato en Huesca, de unos fotógrafos ambulantes pero no comienza  verdaderamente a hacer fotografías hasta 1878. Ese año, Cajal cae enfermo y se traslada al Balneario de Panticosa donde durante su convalecencia se dedica a hacer fotografías. Ya no dejará de hacerlo durante toda su vida, pero no se dedicaria profesionalmente a ello, a pesar de lo cual, dedicó mucho tiempo y esfuerzo en la investigación de emulsiones fotosensibles y tipos de impresión fotográfica. En 1880 fabricó placas fotográficas ultrarrápidas de emulsión de gelatino-bromuto que podian ser expuestas en tan solo 3 segundos. Experimentó también con las nuevas técnicas del fotograbado, la fotomicrografía y la fotografía estereoscópica, y creó las fotolitografías.

Su afición le llevó a autorretratarse multitud de veces desde su juventud hasta la madurez.



Autorretratos



Cajal fue pionero de la fotografía en color en España, escribiendo incluso un libro sobre el tema que publica en 1912, contando 60 años de edad. «La fotografía de los colores»



Su cámara de fotos estereoscópica y su libro de fotografía



El procediiento fotográfico en color por aquella época era la placa autocroma. Este es un procedimiento de síntesis aditiva patentado por los hermanos  Auguste et Louis Lumière en 1903 y comercializado por ellos mismos 4 años mas tarde. Los hemanos Lumieré anunciaron la inveción del autocromo el Lunes 10 de Junio de 1907. Este fue el único procedimiento disponible para hacer fotografias en color hasta 1935. Las placas autocromas constaban de un mosaico de microscópicos granos de almidón, usualmente fécula de patata, sobre la base de una película en blanco y negro en una placa de cristal. Los granos eran teñidos de color naranja, verde y morado, actuando de esta forma como filtros de color. Tras el procesado de la placa surgían los colores complementarios.Una vez concluido el proceso de revelado y fijado se invertía la imagen para obtener un positivo; todo ello en la misma placa. Tras revelar y positivar, la observación a la luz blanca a través de la misma pantalla de filtraje producía unaimpresión en color. Las placas autocromas son por tanto piezas únicas, pues no existen negativos para obtener copias. De la fábrica de los Lumière en Lyon salieron millones de estas delgadas y frágiles placas de vidrio durante casi 25 años. Eran relativamente fáciles de usar y, aunque costaban cuatro veces más que las placas monocromáticas, se vendían como pan caliente en cajitas de cuatro unidades, hasta que en 1931 se descontinuaron y se comenzó a utilizar celuloide para las fotos a color.

Cajal se entusiasmo con el descubrimiento, como esplicó en su libro:

“Hétenos ya, gracias al maravilloso invento de Lumière, emancipados de la intolerable esclavitud del blanco y negro. Flores y frutos, celajes y montañas, bosques y lagos, labios y mejillas, cabellos rubios o castaños, trajes y adornos policromos…todos estos y otros mil motivos artísticos, antaño inabordables, resultan ahora empresas llenísimas, vulgares, accesibles al más modesto cultivador del objetivo.”

 “Bastan en rigor seis u ocho minutos para impresionar, revelar, invertir, redesenvolver (sic.), lavar y entregar al cliente una heliocromia (sic.), asombro de verdad y de belleza, cuando para hacer una buena fotocopia en negro es menester casi un día, a menos de resucitar el trasnochado y pueril procedimiento del ferrotipo, regocijo en otro tiempo de ferias y delicia de soldados y criadas”.

Os dejo de muestra unos cuantos de sus autocromos, el último, un autorretrato:

Y para terminar, un retrato en color de Santiago Ramón y Cajal con su nieta





En 1934, poco antes de fallecer, dejó escrito que la fotografía tenía dos estéticas: la documental y la de galería o artística.

Cajal fallecido en Madrid el 17 de octubre de 1934.

Los Españoles perdimos posiblemente un buen artista, pero ganamos un Premio Nobel de Medicina.