jueves, 14 de enero de 2016

Einrich Kühn y el delicado sentido de los colores.

Llevo unos cuantos días escribiendo entradas sobre fotografía y médicos, relacionando medicina, fotografía y arte. No puedo evitarlo, arte y en especial pintura y fotografía son mi pasión y la medicina es mi profesión desde que comencé a trabajar. He comentado cosas sobre fotografía y Duchene, fotografía y Ramón y Cajal, fotografía y Nadar y Trousseau, fotografía y Peter Henry Emerson, fotografía y Henry Havelock Ellis.  El último post, siguiendo el hilo de la autocromía iniciado al hablar de la pasión fotografica de Santiago Ramón y Cajal y sus autocromos, versaba sobre la reunión en Baviera de Frank Eugene, Heinrich Kühn, steichen y Stieglitz, casi recién nacido el autocromo de los hermanos Lumiére. Así que hoy era prácticamente inevitable que mi mente se fuese un rato a distraer con Los autocromos de Heinrich Kühn.

No podía ser de otra forma porque Carl Christian Heinrich Kühn (nacido en 1866 en Dresden y fallecido en 1944 en Birgitz, Austria), estudió botánica y medicina en Leipzig, Berlín y Freiburg.

  ¡Otro médico apasionado del arte y la fotografía!

Una vez graduado, Heinrich Kühn continuó sus estudios en el Instituto de Anatomía Patológica en la Universidad de Innsbruck, donde realizó sus primeros experimentos en microfotografía con el profesor G.A. Pommern. Sus tendencias artísticas y conocimientos en pìntura y música pudieron con él y en 1890 abandona por completo la medicina y se dedica esclusivamente a la fotografía. Fue uno de los pioneros de la fotografía en color mediante el proceso de autocromo.

No hablaré mas de la biografía de Kühn, el que esté interesado por su relación con el Camera Club, The Linked Ring y Photo Secesión, puede consultar en la web aquí y aquí. En esta entrada simplemente quiero compartir algunos de sus autocromos.






Un par de autocromos de sus colores y equipo de pintura


Unos cuantos autocromos de flores y fruta



Un par de autocromos de paisajes
Kühn logró desarrollar mediante sus fotografías una obra modernista, adelantada a su época, y en el limitado marco de su vida familiar. Los autocromos  de sus hijos con la niñera que los cuidaba cuando él se había quedado viudo son verdaderos cuadros impresionistas.





























Como buen pictorialista, la mayor ambición  de Heinrich Kühn fue crear fotografías cuyo valor artístico pudiera rivalizar con la pintura. Künh dijo en un escrito en 1907: “solo alguien que posee un sentido delicado de los colores debería trabajar con el proceso del autocromo”. El lo tenía, había estudiado música y pintura.

Con sus hermosos autocromos con imágenes de atrevidas composiciones, simplificadas hasta el extremo, Kühn se impuso como una de las figuras centrales del pictorialismo internacional.Kühn, consigue imponerse como uno de los grandes fotógrafos de estas primeras décadas del siglo XX, y ser considerado un auténtico maestro del autocromo.

martes, 12 de enero de 2016

Steichen, la reunión de Babiera y los autocromos

Andaba hoy de nuevo mi mente barruntando de nuevo sobre el asunto de los autocromos y el pictorialismo (en la entrada anterior hablaba de los inicios de la fotografía en color, el autocromo y del insigne Santiago Ramón y Cajal) cuando recordé que está historicamente recogido que en la presentación del proceso de autocromo por los hermanos Lumiére en Paris ese Junio de 1907 estuvieron presentes dos genios fotográficos, en su momento mas pictorialista. Hablo de Alfred Stieglitz y Edward Steichen.

Se sabe que Steichen saló decepcionado por las imágenes que presentaron los hermanos Lumiére en cuanto a contenido y calidad pero muy emocionado con el nuevo procedimiento. Compró placas de autocromo inmediatamente y esperimentando durante una semana, consiguiñó ya mejores fotografias en color, según su circulo de allegados, que las mostradas por los Lumiére.

Alfred Stieglitz viajaba con relativa frecuencia con su familia a Alemania y en uno de esos viajes en Julio de 1907 Frank Eugene dispuso una reunión en Tutzing, (un pequeño pueblo pesquero junto al lago Starnberg, en la alta Baviera) entre los dos y sus colegas fotógrafos Edward Steichen y Heinrich Kühn. Los cuatro hombres se reunieron para debatir y probar los aspectos técnicos del autocromo.¡Los cuatro fotógrafos estaban ansiosos por esperimentar con la nueva teccnología!.

Eugene, nacido en Estados Unidos, se había trasladado a Alemania en 1906 donde disponía de cierto reconocimiento como pintor y en 1907 entró a trabajar como profesor ayudante en la escuela de fotografía del Estado de Baviera conocida en esa época como "Lehr- und Versuchsanstalt für Photographie, Chemie, Lichtdruck und Gravüre".  Ese día decidió inmortalizar el encuentro con una fotografía en la que aparecen los cuatro fotógrafos (de izquierda a derecha Eugene, Stieglitz, Kühn y Steichen) analizando fotografías impresas en papel.


La luz resplandece entorno a los trajes claros de Kühn y Steichen y el rostro de Stieglitz, situado en el centro de la imagen sosteniendo en la mano la obra que analizan.Llama también la atención la cara de sorpresa de Kuhn.

El fondo de la fotografía se pierde en un remolino de rascadas enérgicas (Eugene modificaba con frecuencia los negativos de ese modo, utilizando una aguja de aguafuerte) para centrar la atemnción en los personajes y no en el fondo  dar una apariencia mucho mas pictorialista a la imagen.





Este es un positivo de la misma fotografia sin el procesado de Steichen,
Obsérvese la gran diferencia del fondo y como cambia la imagen

Las dos son estupendas fotografías pero la edición de Steichen a mi me parece una verdadera obra de arte, claro que para gustos hay colores.

Tras el anuncio del autocromo por los Lumiére, en cuestión de meses, Stieglitz y Steichen organizaron la primera exposición americana del nuevo proceso de autocromo. Los miembros del movimiento pictorialista exploraron el proceso Autocromo con gran creatividad y el interés, aunque en 1910 abandonaron gradualmente la técnica. Aun así, este corto período vio la producción de importantes ejemplos tempranos de la fotografía en color.

Era habitual que los pictorialistas se retratasen unos a otros y en este caso podemos disfrutar de un retrato de Stieglitz mediante el proceso de autocromo que hizo Steichen por esas fechas.


Que yo sepa no hay muchos autocromos de Steichen en museos, estando en poder del Eastman House la colección mas grande de ellos. Entre estos autocromos de Steichen hay uno que no fue descubierto hasta el 2007 y que tiene una curiosa historia. Es un retrato de Charlote Spaulding, la que fue mujer de Langdon Albright, hermano de John J. Albright, un importante hombre de negocios y filántropo de los años 20 en Búfalo.

El verano del 2007 Anthony Bannon, director del museo recibe una llamada de un anciano pintor que decía ser hijo de Charlotte Spauldig Albright que quería donarle al museo unos negativos en placas de vidrio que eran autocromos y su madre había tenido almacenados durante mucho tiempo. Era emocionante el poder tener en el museo algun autocromo realizado por Charllotte porque hasta 1910 que deja la fotografía al casarse, tuvo una breve carrera como fotógrafo y miembro de el influyente grupo Foto Secesión , dirigido por Steichen y Alfred Stieglitz.  Bannon se reune en el estacionamiento de una heladería de un suburbio de Buffalo con el abogado de Albright, que le da un paquete. La sorpresa de Bannon a desenvolverlo fue ver que uno de los autocromos que le donaban era de Charlotte Spaulding Albright, pero ¡ella era la fotografiada y el fotógrafo había sido Steichen!

Volviendo a Frank Eugene, podemos contar como casualidad al hilo que realizó en 1920 la que se considera su mayor exposición fotográfica y curiosamente ¡fue en Buffalo!.

Fueron veintisiete fotografías de las que sus platinotipias fueron muy bien valoradas, diez de las imágenes se publicaron en el Camera Work de abril y otras catorce en el número de julio.

Pero de Frank Eugene y Foto Secesion quizás hablemos más otro día.

domingo, 10 de enero de 2016

La fotografía en color y Santiago Ramón y Cajal

Hijo de un médico rural, Santiago Ramón y Cajal nace en Petilla de Aragón, Navarra, el 1 de mayo de 1852. Desde los dos años cambia de localidad con frecuencia debido al trabajo de su padre.
Estudia Medicina en Zaragoza y se doctora en 1877. Durante su vida ocupa cátedras en la Facultad de Medicina de Valencia (1884), Barcelona (1888) y Madrid (1892), y en 1906 recibe el premio Nobel de Medicina y Fisiología  por sus investigaciones sobre los mecanismos que gobiernan la morfología y los procesos conectivos de las células nerviosas.



Una faceta menos conocida de la compleja y curiosa personalidad de Santiago Ramón y Cajal, es la de su afición por la fotografía que le acompañó toda su vida.

Cajal aprende los fundamentos de la fotografía en su época de estudiante de Bachillerato en Huesca, de unos fotógrafos ambulantes pero no comienza  verdaderamente a hacer fotografías hasta 1878. Ese año, Cajal cae enfermo y se traslada al Balneario de Panticosa donde durante su convalecencia se dedica a hacer fotografías. Ya no dejará de hacerlo durante toda su vida, pero no se dedicaria profesionalmente a ello, a pesar de lo cual, dedicó mucho tiempo y esfuerzo en la investigación de emulsiones fotosensibles y tipos de impresión fotográfica. En 1880 fabricó placas fotográficas ultrarrápidas de emulsión de gelatino-bromuto que podian ser expuestas en tan solo 3 segundos. Experimentó también con las nuevas técnicas del fotograbado, la fotomicrografía y la fotografía estereoscópica, y creó las fotolitografías.

Su afición le llevó a autorretratarse multitud de veces desde su juventud hasta la madurez.



Autorretratos


Cajal fue pionero de la fotografía en color en España, escribiendo incluso un libro sobre el tema que publica en 1912, contando 60 años de edad. «La fotografía de los colores»


Su cámara de fotos estereoscópica y su libro de fotografía



El procediiento fotográfico en color por aquella época era la placa autocroma. Este es un procedimiento de síntesis aditiva patentado por los hermanos  Auguste et Louis Lumière en 1903 y comercializado por ellos mismos 4 años mas tarde. Los hemanos Lumieré anunciaron la inveción del autocromo el Lunes 10 de Junio de 1907. Este fue el único procedimiento disponible para hacer fotografias en color hasta 1935. Las placas autocromas constaban de un mosaico de microscópicos granos de almidón, usualmente fécula de patata, sobre la base de una película en blanco y negro en una placa de cristal. Los granos eran teñidos de color naranja, verde y morado, actuando de esta forma como filtros de color. Tras el procesado de la placa surgían los colores complementarios.Una vez concluido el proceso de revelado y fijado se invertía la imagen para obtener un positivo; todo ello en la misma placa. Tras revelar y positivar, la observación a la luz blanca a través de la misma pantalla de filtraje producía unaimpresión en color. Las placas autocromas son por tanto piezas únicas, pues no existen negativos para obtener copias. De la fábrica de los Lumière en Lyon salieron millones de estas delgadas y frágiles placas de vidrio durante casi 25 años. Eran relativamente fáciles de usar y, aunque costaban cuatro veces más que las placas monocromáticas, se vendían como pan caliente en cajitas de cuatro unidades, hasta que en 1931 se descontinuaron y se comenzó a utilizar celuloide para las fotos a color.

Cajal se entusiasmo con el descubrimiento, como esplicó en su libro:

“Hétenos ya, gracias al maravilloso invento de Lumière, emancipados de la intolerable esclavitud del blanco y negro. Flores y frutos, celajes y montañas, bosques y lagos, labios y mejillas, cabellos rubios o castaños, trajes y adornos policromos…todos estos y otros mil motivos artísticos, antaño inabordables, resultan ahora empresas llenísimas, vulgares, accesibles al más modesto cultivador del objetivo.”

 “Bastan en rigor seis u ocho minutos para impresionar, revelar, invertir, redesenvolver (sic.), lavar y entregar al cliente una heliocromia (sic.), asombro de verdad y de belleza, cuando para hacer una buena fotocopia en negro es menester casi un día, a menos de resucitar el trasnochado y pueril procedimiento del ferrotipo, regocijo en otro tiempo de ferias y delicia de soldados y criadas”.

Os dejo de muestra unos cuantos de sus autocromos, el último, un autorretrato:







Y para terminar, un retrato en color de Santiago Ramón y Cajal con su nieta




En 1934, poco antes de fallecer, dejó escrito que la fotografía tenía dos estéticas: la documental y la de galería o artística.

Cajal fallecido en Madrid el 17 de octubre de 1934.
Los Españoles perdimos posiblemente un buen artista, pero ganamos un Premio Nobel de Medicina.

sábado, 9 de enero de 2016

Impresionismo y Pictorialismo, Degas y Demachy.


No hace mucho, en una entrada del blog, hablaba de Nadar y comentaba como había comenzado trabajando de caricaturista en una revista satírica Parisina de gran importancia en la época, "Le Charivari" editado de 1832 a 1837.


Le Chareivari era una revista satírica y crítica que hacía oposición a la  "monarchie de Juillet" (1830-1848)  que siguió a la restauración francesa. Unas veces mas conservadores, otras mas modernos o republicanos pero siempre anticlericales, Le Charivari sacaba punta a todo lo que podía y en especial a la política, hasta el punto de que a causa de sus caricaturas su fundador y director, Charles Philipon
 
un ilustrador , litógrafo, periodista, y también fundador de la editorial Aubert, fue procesado mas de una vez por insultar al rey. La primera vez fue por una caricatura en la que aparecía el rey. Philipon fue absuelto al asegurar que el dibujo no representaba al rey y que él no tenía la culpa si a la gente se lo parecía; pero en la segunda ocasión Philipon fue declarado culpable de "atentados contra la persona del rey" pues publicó como argumento de la absolución de su primer proceso una caricatura que demostraba que cualquier cosa podía parecerse al monarca, como por ejemplo, una pera .


La caricatura se hizo tan famosa que consiguió que cualquier representación de una pera o una pera misma fuese utilizada como símbolo contra la Monarquia. En consecuenciq, París se llenó de peras y el 12 de Enero de 1932 Philipon fue condenado a 6 meses de prisión y pagar una multa de 2.000 francos; otros cargos diferentes sumaron 7 meses mas a su condena. ¡Por cachondo!

Esto viene al cuento porque en Le Charivarí también trabajó como crítico de arte,


 Louis Leroy (1812 - 1885) un pintor, grabador, dramaturgo y periodista. Su crítica satírica publicada en Le Charivari contra la exposición de artistas independientes de 1874 acuñó el término "impresionista", inicialmente dirigido contra el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet.

La exhibición de los impresionistas, recreaba un supuesto diálogo entre dos espectadores. Al pie de la caricatura de Louis Leroy estaba la siguiente leyenda:  «Que représente cette toile ? Impression ! Impression, j'en étais sûr. Je me disais aussi puisque je suis impressionné, il doit y avoir de l'impression là-dedans. […] Un papier peint est plus travaillé que cette marine.» Que viene a querer decir ¿Qué representa este cuadro? Impresión! Seguro, impresión, ya me parecía a mi! que estoy también impresionado, debe de haber alguien impresionando por todos sitios. Un papel pintado está mas trabajado que esta marina. Es decir, se burlaba del título del cuadro, pretendiendo encontrar en él una categoría general aplicable a otros artistas de estilo similar, que habían organizado la exposición ¿en dónde? ¡O casualidades de la vida, en el salón del fotógrafo Nadar! Los pintores que intervenían eran Pissarro, Monet, Sisley, Degas, Renoir, Cézanne, Guillaumin y Berthe Morisot.

Y como a mi me gusta el arte, en especial la pintura y la fotografía, es ahora cuando empiezo a hablar de una cosa que especialmente me asombra o mejor dicho "me impresiona": el parecido que hay entre algunas fotografías de Demachy y pinturas de Degas.

Demachy fue un francés hijo de familia adinerada que nació el 7 de julio de 1859 en Saint-Germain-en-Laye. Al poco de nacer su familia regresó a su residencia de París donde recibió una educación excelente en el colegio de los jesuitas. Hasta los cincuenta años vivió en esa misma casa y sólo la abandonó por viajes o motivos de seguridad. Salvo un breve periodo en el ejército al cumplir los dieciocho años, la vida de Demachy fue placentera frecuentando cafés de artistas y participando en la vida bohemia parisina.


A mediados de 1870 Demachy descubre la fotografía y se apasiona de tal manera que dedica entonces todo su tiempo a ella. Se convierte en uno de los grandes fotográfos pictorialistas de la época. Utilizó diferentes técnicas fotograficas siempre con la intención de acercar la fotografía a la pintura: la goma bicromatada, la impresión al óleo y el bromoleo. En 1882 fue elegido miembro de la Sociedad Francesa de Fotografía. En 1888 funda con Maurice Bucquet el Photo Club de París en el que se mantenían los principios estéticos del pictorialismo. En 1895 sería elegido como miembro destacado de The Linked Ring. En 1893 se casó con Adelia y se convirtió en uno de los primeros parisinos poseedor de un automóvil. No se si el que sale en esta fotografía es el suyo


En 1894 junto con Constant Puyo, Le Begue y Bucquet colaboró en la organización del primer Salón de París, basado en los principios artísticos del Foto Club de París. En 1897 publicó su primer libro junto a Alfred Maskell, a partir del año siguiente comenzó una relación epistolar centrada en las ideas fotográficas con Alfred Stieglitz que duró quince años. En 1904 publicó varios de sus trabajos en Camera Work, lo que significó dar a conocer su trabajo en Estados Unidos. En 1905 es elegido miembro de la Royal Photographic Society. Durante la primera década del siglo XX siguió escribiendo sobre fotografía, y pronto se convirtió en uno de los escritores más prolíficos sobre el tema, incluso sigue siéndolo en la actualidad. Durante su vida escribió más de mil artículos sobre la estética y las técnicas de manipulado de las impresiones. Sin previo aviso ni explicación, de repente dejó Demachy de hacer fotografías a principios de 1914. Nunca más tocó una cámara, incluso se negó a tomar instantáneas de sus nietos. Murió de ateroesclerosis el 29 de diciembre de 1936, siendo trasladado su cadáver dos días después al panteón familiar en París. Poco antes de su muerte destruyó sus bocetos y las fotografías que le quedaban de sus anteriores exposiciones.

Demachy tiene muchas fotografias a la goma bicromatada o al bromoleo que son verdaderos cuadros. Estoy convencido que a muchas personas hoy en día les costaría diferenciar si son realmente fotografías o pinturas, porque las tecnicas fotograficas y de impresión hoy son completamente diferentes.

A mi me maravillaron en cuanto las conocí las fotografías que tiene de bailarinas.
Las bailarinas de Demachy me recuerdan inmediatamente en cuanto las veo a las bailarinas de los cuadros de Degas. ¡Se parecen mas a las bailarinas de Degas que las propias fotografías que hacia Degas para luego pintar  a sus bailarinas!

Estas son de Degas





Estas de Demachy






Sí, es que resulta que Degas, en 1895 cuando le comienza a fallar la vista, utiliza la fotografía para tomar imágenes que luego utilizará en sus cuadros. Esto no se supo hasta el fallecimiento de Degas en 1917, momento en el que se pudo entrar en su estudio y descubrir lo que solo los mas allegados al pintor sabían. ¡utilizaba y le gustaba la fotografía! sus fotos revelan el deseo de explorar el movimiento y la luz. Pero hoy es innegable. He aquí una fotografía de Degas y un cuadro suyo del mismo año:




Degas tenía 61 años cuando en el otoño de aquel año viajó a un balneario de Mont-Dore, en Auvernia, y llevó una cámara y un trípode consigo  desde entonces los dos se hicieron amigos. Julie Manet, sobrina del pintor Edouard Manet, escribió en su día: «Degas no puede pensar en otra cosa que no sea la fotografía». Un poco exagerado, pero interesante comentario.